Cette année, je m'étais fixé un but ultime, ce but étant de regarder la Cérémonie des Césars sans zapper ni m'endormir (ce qui relève de l'exploit). Cette 36ème cérémonie, riche en émotion et en humour s'est avérée être moins niaise que les autres années, même si ça reste un événement assez pompeux et à la limite de la beaufitude. Présentée par un Antoine de Caunes très en forme mais qui ne va jamais loin dans sa critique de la société (mis à part deux ou trois blagues sur Jean-Luc Delarue et une poignée d'allusions à la situation de guerre civile en Afrique du Nord, il a fait rire mais ne s'est pas énormément mouillé), présidée par une Jodie Foster charmante mais plutôt discrète, ouverte par un Jean Rochefort un peu spécial, cette cérémonie n'a rien d'exceptionnelle, mais s'est avérée moins chiante que les autres années. Vous vous demandez alors pourquoi l'image qui accompagne cet article n'est autre que L'assassinat de Jules César de Vincenzo Camuccini. La métaphore est flagrante, certes, mais je pense qu'elle est un peu forte. Cette cérémonie n'a pas été l'assassinat du cinéma français, même si on se rend vite compte que la France n'est pas un pays qui sait présenter un divertissement avec de l'originalité.

Pour ce qui est de la cérémonie en elle-même, elle a été marquée par le retour en images des meilleurs films français de l'année (avec beaucoup d'humour) : De Caunes s'est incrusté grâce à des effets spéciaux novateurs (rire sarcastique) dans des extraits de films, ce qui rend certaines situations hilarantes comme la réunion dans Des hommes et des dieux. Mais à part cela, presque aucun reportage extérieur (mis à part la journée vachement intéressante – re-rire sarcastique – de François Damiens avant la cérémonie), qui sera assez pathétique dans son discours drôle mais très lourd. Et on atteint les sommets de la bouffonerie quand un vrai-faux tournage d'un western français est réalisé sur le plateau (grand bide de la soirée), sans parler de la célébration (très pompeuse et très pitoyable) du millième César attribué à quelqu'un (ici, le producteur de The Social Network). La cérémonie a été marquée par l'ovation en l'honneur de Olivia de Havilland (présentée comme la doyenne de la cérémonie, applaudie chaleureusement par Jodie Foster et la salle qui s'est levée) et par l'hommage rendu à Claude Chabrol et Bernard Giraudeau. On retiendra au final que le plus drôle (et surtout le plus intéressant), c'était le S.A.V spécial César d'Omar et Fred rempli de bons jeux de mots comme on les aime. Et pour se rapporter une nouvelle fois au Grand Journal de Canal+, on retiendra que l'apparition de Charlotte Lebon (pourtant excellente d'habitude en présentatrice météo) était assez mauvaise pour donner le César de je-ne-sais-plus-qu'elle-catégorie. On se rendra également compte que, pour des raisons de sécurité, les nominées pour la meilleur révélation féminine étaient très éloignées de Roman Polanski et les nominés pour la meilleur révélation masculine se trouvaient à l'opposé de Frédéric Mitterrand (toute allusion serait très mal placée).

Après, ma plus grande satisfaction fut l'attribution du César d'honneur à Quentin Tarantino (qui est juste le réalisateur de mon film préféré), qui, dans un discours plein de passion promettait de garder les pieds sur terre, avant de gueuler (ça en devient presque un gimmick) « Vive le cinéma ! ». Un hommage très fuck/fucking/motherfucker de Antoine de Caunes, et une belle récapitulation de ses meilleurs films (accompagné d'un bel hommage par Diane Krueger et Christoph Waltz), Tarantino a été gâté par la France qu'il adore tant, et c'était amplement mérité d'avoir une standing-ovation (moins conséquente que celle de Roman Polanski, je vous l'accorde). Pour ce qui est des autres récompenses, j'avais fait mes paris, et il se trouve que sur 21 récompenses, il y en a 13 que j'avais deviné (ce qui montre que même si on trouve qu'ils ont des goûts très étranges, on se rend compte que tout est très prévisible). Forestier qui ne parle que de sa culotte fétiche et de sa pseudo-virginité (qu'on a vraiment du mal à avaler) était presque insupportable. Et je ne vous parle pas de l'émotion dans la salle après que Leïla Bekhti ait reçu le César de la révélation féminine. Obligée de tenir sa longue robe (qui a faillit lui valoir une chute dans les escaliers) qui lui découvrait les seins, incapable d'aligner deux mots à la suite, toute tremblante, la voix perturbée par un hoquet provoqué par la surprise, émue en voyant sa copine Géraldine Nakache en pleures, elle nous aurait presque fait chialer (non, je rigole). Grosse déception en revanche, pour Valérie Bonneton qui avait enflammée la télévision dans la série Fais pas ci, fais pas ça et fait rire la France dans son rôle des Petits mouchoirs, elle repart bredouille, tout comme le film de Guillaume Canet (faut pas trop récompenser les films qui réussissent en salles). Le discours à la fois émouvant et drôle (une belle anecdote en prime) de Michael Lonsdale nous a rappelé son fabuleux rôle dans le film de Xavier Beauvois (qui, après avoir reçu la récompense ultime, ne s'est pas gêné pour allumer l'UMP comme il se doit). Polanski est le grand vainqueur de la soirée (troisième César du meilleur réalisateur et 4 récompenses pour son film).

Au final, on ne reteindra pas grand chose de cette 36^ème Cérémonie des Césars. Juste que je ne me suis pas ennuyé, mais que j'ai trouvé que le cinéma français en avait pris un coup, comme si le divertissement proposé n'était pas à la hauteur de ce qu'on peut espérer. Sans vouloir crier au scandale comme beaucoup d'autres, je constate par contre qu'il manque quelque chose à cette cérémonie. L'humour est là, les récompenses sont assez juste (enfin, pas toutes), mais ce qui est proposé n'est pas vraiment très croustillant. On pourra garder avec nous les quelques trucs marrants (Pascal Elbé et Antoine de Caunes qui font un petit sketch assez sympa ou encore Jean-Paul Rouve qui a ramené sa mère sur le plateau). Mais même si je trouve que c'est très pompeux et que ça traîne en longueur, j'ai passé un moment agréable, sans laisser de côté les (trop) nombreuses difficultés des animateurs à nous faire vivre cette cérémonie. Ce n'est pas l'assassinat des Césars, mais pas loin...

Pour en savoir plus, consultez le palmarès de la 36^ème Cérémonie des Césars.

Synopsis : En plein milieu du massif des Appalaches, six jeunes femmes se donnent rendez-vous pour une expédition spéléologique. Soudain, un éboulement bloque le chemin du retour. Alors qu'elles tentent de trouver une autre issue, elles réalisent qu'elles ne sont pas seules. Quelque chose est là, sous terre, avec elles... Quelque chose de terriblement dangereux décidé à les traquer une à une...

Tout bon fan de films d'horreur se doit de ne pas être passé à côté de la dernière ''claque'' horrifique qui a marqué au fer rouge le cinéma d'horreur en 2006. Considéré comme le meilleur film d'horreur des années 2000, The Descent a suscité de l'engouement dans le monde du cinéma ; comme si l'horreur venait de renaitre sous nos yeux ébahis et qu'on oubliait tout le reste. Aussi puissant qu'un pet de lapin, le film censé avoir redonné du punch au cinéma gore se contente d'avoir de très bons ingrédients, mais tous très mal mélangés. Comme si Neil Marshall mélangeait du foie gras avec du pâté Fleury Michon...

On ne peut pas se permettre de faire un film sans avoir un minimum de connaissances en matière d'horreur. Quand on a la chance de posséder une histoire simple mais efficace, des effets gores à foison, un paysage (très sombre) permettant le sursaut permanent (chez le spectateur), comment est-ce possible de foirer un film ? The Descent nous apporte les réponses à cette question. Tout d'abord, le film commence très lentement. Mis à part une scène à l'hôpital dénuée d'intérêt et quelques sursauts laissant le calme reprendre place, rien à signaler, si ce n'est le fait que l'heure tourne et qu'on a rien à se mettre sous la dent. Puis, on entre dans la grotte, on attend une bonne vingtaine de minutes, et on commence à flipper deux ou trois fois. A ce moment-là, Marshall trouve son rythme. Il laisse son public présager des moment de sursauts (qui ne viennent qu'une fois sur dix, en réalité), tout en installant une atmosphère malsaine, attendant que nous soyons en rupture. L'arrivée des monstres dans la grotte est terrifiante. Ces espèces de créatures, nées d'un croisement entre Gollum et E.T surprennent pas leur physique peu avantageux, mais également dans la faon dont il se déplacent, chassent et communiquent. On pense alors que le film est parti pour de magnifiques moment remplis de sursauts, de gore, de sang : que des trucs qu'on aime, quoi. Mais dès que Marshall dévoile ses monstres, il ne peut pas s'empêcher de les montrer dans chaque plans, tombant vite dans l'excès (c'est vrai, quoi, au bout d'un moment, ça marche plus le coup des créatures laides et pustuleuses). Et c'est cet abus qui fait sombrer, lentement mais sûrement, The Descent jusqu'à un final calamiteux.

Les monstres, au bout de quelques minutes, commencent à devenir presque ''normaux'' pour nous. Leurs apparitions ne sont plus aussi surprenantes et gores qu'avant, vu qu'on prend vite connaissance de tout ce qui les caractérise. On aurait aussi préféré qu'il n'y en ai pas des centaines, pour ne pas faire la même erreur que dans Aliens, le retour, qui, voulant faire de l'excès à tout bout de champ, se perd dans une sorte de multiplication superflue d'élément horrifiques. Là où The Descent ne fait pas peur, c'est que tout est assez prévisible, et que les (trop fréquents) moments gores sont tellement gros que ça en devient gonflant. L'overdose de sang et de boyaux se fait ressentir très vite, le gore ne marche pas, The Descent s'enlise dans ce qui fait ses qualités. On sent qu'il y a de l'envie, de la recherche, du potentiel. Mais la corde est épuisée après quelques minutes, là où on commençait à s'éclater, à frissonner. Ces moments de peurs bien trop rares ne font que de renforcer l'idée que ce film aurait été mieux en court-métrage. En vain, The Descent n'est qu'une expérience intéressante que sur un moment court, le tout ayant été fait pour broder (du gore, des jolis plans, de la psychologie à deux balles - car il est difficile de s'attacher aux personnages, surtout qu'il est difficile de les reconnaître dans un noir presque total, sachant qu'elle ont presque toutes les même tête et le même look). Et lorsque l'on croit que l'on est (enfin) délivré de tout cet abus de gore (genre, la fille qui crève les yeux du monstre, ou les filles qui s'entretuent), on a le droit à un semblant de twist ending qui s'avère être, en réalité, aussi foireux que le film en lui-même qui regorge de trouvailles, de talent, mais le tout étant mal exploité et mal assemblé (je vous refait pas la comparaison avec le foie gras...). Cette fin qui se veut surprenante, est en fait assez mal jouée dans la mesure où l'on ne comprends pas tout (c'est super d'être obligé de naviguer sur les forums pour avoir des réponses claires) et où elle s'annonce mal, vu qu'elle indique clairement qu'un second épisode (sorti en 2009) va voir le jour (pitié, non !).

En résumé, il y avait sûrement de quoi faire de ce film un excellent exemple de maîtrise de l'horreur et du gore, mais au final, The Descent s'avère être très décevant.

Ma note : 4/10

Synopsis : Rivalités dans la troupe du New York City Ballet. Nina est prête à tout pour obtenir le rôle principal du Lac des cygnes que dirige l’ambigu Thomas. Mais elle se trouve bientôt confrontée à la belle et sensuelle nouvelle recrue, Lily...

D'entrée, Aronofsky marque son spectateur. Il impose directement son style par une scène de danse rêvée où la grâce n'a aucune limite, où la réalisation surprend, se déploie tel le cygne qui qui nous fait découvrir son plumage. Au réveil, le rêve, dissipé laisse place à la réalité. Réalité campée par Nina, jeune danseuse très laborieuse et talentueuse, vivant comme une petite fée aux côtés de sa mère. S'impose désormais une pénible mise en abîme, maîtrisée du début à la fin par Mr Darren, qui a retrouvé son esprit paralysant de Requiem for a dream, lui qui avait rendu l'insoutenable possible dans son film de 2000 retente de nouveau l'expérience avec Black Swan, sorte de remake féminin de son dernier film, The Wrestler. C'est l'histoire d'un cygne blanc, pur, fragile, incarné par Nina (Natalie Portman, au sommet de sa grâce et de son art). Cette métaphore animalière, venant illustrer à la perfection le ballet inspiré de la sublime composition de Tchaïkovski forme l'allégorie parfaite de ce que pouvait espérer le réalisateur, comme si les deux mondes (réalité qui perd les devants face aux rêves et aux personnages du ballet) se percutaient, se répondaient, en se croisant par moments (hallucinations (?) de Nina qui se voit en double) ou en mutant (les splendides métamorphoses en cygnes ou en démons).

Mais là où on pourrait penser à une pâle revisite du Lac des Cygnes combiné aux Chaussons Rouges, on assiste à une véritable leçon de cinéma, qui joue avec le spectateur en tapant là où ça fait mal, comme si il n'y avait pas de barrières entre la projection du film et ce que nous sommes. Comme si Aronofsky, véritable spectre omniscient, parvenait à s'identifier à nous comme nous le faisons avec le personnage de Nina. Outre les souffrances physiques endurées par Nina (et donc, nous, en partie), ses pulsions sexuelles (fascinante scène du bain) et sa paranoïa qui la bouffe de jours en jour, tout comme le film, qui nous entraine dans les profondeurs abyssales de notre consciencieux esprit critique, pris sous contrôle par le film, qui nous bouffe à son tour, Black Swan est un périple insupportable, une descente aux enfers surprenante et sensorielles qui doit se laisser regarder, et ressentir, pour que le final nous paraisse comme un soulagement, un peu comme l'avais fait Requiem for a dream, il y a dix ans de cela. Seul différence, c'est peut-être la façon dont le plan y est présenté, la façon dont le metteur en scène pousse le bouchon. Là où il l'avait planqué si loin qu'on en voyait pas le bout, il laisse une marge moins conséquente cette fois-ci, peut-être par soucis de trouver un public plus abordable, où d'apporter un dénouement plus rassurant, où une mise en abîme plus supportable que dans Requiem for a dream. Et ce serai peut-être la seule véritable petite imperfection au résultat final de Black Swan.

Du début à la fin, on se laisse guider dans cet espèce de couloir sans fin, cette sorte d'autoroute sanglante et sombre qui vous saisit à la gorge, sans jamais vous lâcher. Les battements de nos cœurs s'accélèrent au fur et à mesure que le film avance. La musique nous prend au tripes, du fait qu'elle ne quitte pas votre esprit, des heures après la vision du film. Avec une Portman élégante et débordante de fragilité (ses larmes paraissent si naturelles), une Winona Rider dans un rôle discret mais efficace, une Mila Kunis au sex-appeal ravageur et un Vincent Cassel charismatique, le casting improbable et harmonieux de Black Swan contribue à cette plongée vers la mort et la souffrance. Un jeu de miroirs et de reflets présent pendant tout le film, une profonde importance accordée aux couleurs (on commence par du rose, on passe par le blanc et le noir pour se terminer par du rouge), Aronofsky sait pertinemment qu'il a toutes les cartes en mains pour faire de son film, une œuvre suffocante, jusqu'aux dernières minutes, qui se focalisent par une last dance haletante et paralysante (semblable au derniers instants insoutenables de Requiem for a dream) qui traduit la maestria que Darren Aronofsky possède et détient au plus profond de lui, pour faire de son Black Swan une œuvre unique.

En étant beaucoup moins kitch que pour ses autres films (pas de split-screen, de plans aériens, juste une caméra à l'épaule qui donne la nausée) , le cinéaste américain frappe un grand coup en ce début d'année 2011 en instaurant une atmosphère pesante, reposant sur les contrastes, les formes et les couleurs. Avec de nombreuses prouesses techniques comme lors de la dernière scène où Nina se transforme en cygne en noir au fur et à mesure qu'elle tourne sur elle-même, il inspire le respect, et peut patiemment attendre les récompenses. Au final, on pourra se rendre compte que le personnage de Nina, aussi chamboulée qu'elle puisse l'être, sa vie détruite, sa mère choquée et son cerveau endommagé (elle perd sa virginité, la petite fille qui vivait chez sa mère dans un château de poupées est devenue une femme, prête à tout pour parvenir à ses fins) tout comme son corps, est satisfaite d'elle, de ce qu'elle a accompli, terminant le film d'un « Tout est parfait » qui laisse un goût très acide dans la bouche (grande ouverte) d'un spectateur qui ne sait trop quoi penser du chef d'œuvre qu'il vient de voir. Cette métamorphose du cygne blanc (jeune fille vierge vivant chez sa môman dans une chambre rose bonbon, peuplée de peluches) en cygne noir (pulsions sexuelles, envies de meurtres, schizophrénie) est d'une lenteur à faire perdre haleine, une leçon de cinéma, à montrer dans toutes les écoles de cinéma. D'une façon où d'une autre, Aronofsky nous livre, à travers une œuvre aux carrures fantastiques et surréalistes la dure réalité du milieu de la danse, l'envie de devenir le meilleur de se surpasser, d'approcher la perfection. Dans un jeu semblable aux meilleurs films d'horreurs (sursauts, hallucinations, sang), il nous livre également un portrait d'une femme qui se représente sous deux formes, l'une belle et l'autre horrible, le tout pris avec avec beaucoup de tact et de passion. Au final, on retiendra qu'un Aronofsky, c'est une épreuve unique : pendant la vision, on hésite, on s'interroge, on peut même s'ennuyer (si, si), mais ce n'est qu'à l'approche du générique que l'on se rend compte du travail accompli, quand les poils de tout votre corps sont hérissés et que vos jambes tremblent. De l'art, un point c'est tout.

En résumé, laissez-vous bercer par Black Swan 1h43 durant, vous ne vous rendrez compte qu'à l'approche du générique que vous assistez à l'un des meilleurs films de ces dernières années.

Synopsis : Le Tueur au puzzle a mystérieusement échappé à ceux qui pensaient le tenir. Pendant que la police se démène pour tenter de remettre la main dessus, le génie criminel a décidé de reprendre son jeu terrifiant avec l'aide de sa protégée, Amanda... Le docteur Lynn Denlon et Jeff ne le savent pas encore, mais ils sont les nouveaux pions de la partie qui va commencer...

Peut-être est-ce débile de ma part de poursuivre dans l'aventure Saw, alors que le 2 s'est avéré décevant et que c'était censé être le plus potable de toutes les suites du chef d'œuvre de James Wan. Peut-être que l'interdiction aux moins de 18 ans (ce qui arrive tous les dix ans pour un film d'horreur) aurait due me freiner dans mon ambition de voir cet épisode 3, aussi controversé soit-il. Je ne sais pas ce qui m'attire dans cette saga. Peut-être le fait que c'est plutôt original, que ça vide la tête, que ça permet de voir du gore, tout en faisant réfléchir. Car tous les Saw, même si certains sont plus mauvais que d'autres, ont une logique, se renvoie la balle (grâce à de nombreux flashback explicatifs, des renvoies qui permettent de comprendre ce qui nous avait échappé dans les épisodes précédents) et font étonnement réfléchir. Tout cela grâce à un méchant, porté par l'interprétation innée de Tobin Bell. Ce bad guy des temps modernes est le plus énigmatique de tous, on a même du mal à le trouver dégueulasse. On l'aime bien notre Jigsaw, même si ces meurtres sont d'une effroyable barbarie et que ses motivations – bien que justifiées à maintes et maintes reprises – ne sont pas forcement logiques.

Ça commence déjà très fort, avec la grosse impression que la balle à changer de camp. Ce ne sont plus les victimes qui ont à choisir entre la vie et la mort. Cette fois-ci, elles ont le choix entre s'infliger les pires tortures et mourir ou se laisser crever sans avoir l'audace de réagir. Mais elles ne savent rien. Les pièges du tueur sont de plus en plus compliqués, pour ne pas dire impossibles. Nait alors de cette nouvelle et improbable philosophie de nombreux pièges de plus en plus maléfiques. Un homme attaché à des chaines sur tout son corps doit se libérer avant qu'une bombe explose, tout en s'arrachant de gros morceaux de peau avec les chaines ; un homme manque de se noyer dans une cuve qui se rempli de déjections et d'organes de cochons pas frais ; une machine fait tourner les membres d'un pauvre innocent jusqu'à ce que les os cassent : tout ça et plus encore, dans ce qu'on peut appeler des ''meurtres'' inventifs et d'un sadisme à toutes épreuves. Le seul hic à cette histoire – et malgré le fait que les amateurs de gore prennent sacrément leur pied – c'est le fait que toutes les victimes de Jigsaw n'aient plus le choix, aucun échappatoire à la boucherie étant possible. Cette façon d'opérer ne correspond pas au profil du tueur au puzzle. Alors qui se cache derrière le nouveau masque du tueur à la tête de cochon ? Une femme, aussi étrange que fascinante. Aimant la souffrance et éprise par Jigsaw après avoir échappée à l'un de ses pièges. Mais cette dernière n'a pas assez le cran de reprendre les rênes. John lui fera comprendre, d'ailleurs dans un final aussi haletant que sanglante : une parfaite maitrise du suspense, des effets gores et cette musique...

Mis à part la nouvelle façon d'opérer chez le tueur, rien ne semble me faire penser que cet épisode 3 (20 minutes plus long que les autres épisodes) n'est pas à la hauteur du premier film (il est loin de lui, par sa réalisation, mais le scénario est toujours aussi convaincant). On peut comprendre le fait de réserver un accueil froid à cet opus, très violent, malsain et nettement plus dégueulasse que les autres (nan mais le coup de la cuve aux porcs, je m'en suis pas remis), parce que le pacte signé dans l'épisode 1 (Choisissez : 1. La vie = automutilation / 2. La mort = souffrances brèves) n'est plus respecté, mais le tout est parfaitement expliqué. Le personnage de Amanda est plus fragile, et possède un fond beaucoup plus méchant que John Kramer, qui lui, est finalement le gentil de l'histoire. Les épreuves de Saw 3 s'enchainent avec en fil rouge, les retours en arrières qui montrent que la servante de Dr Jigsaw est dans le coup de puis le début. Tout cela avec une maitrise totale et des explications toujours aussi passionnantes. Alors remballez vos mauvaises langues et oubliez deux minutes le caractère insoutenable de ce film, et constatez par vous-même qu'il permet aux fans de l'intrigue Saw (j'en fais partie, si, si) de faire un grand bon. Vivement l'épisode 4.

En résumé, un bon petit film d'horreur bien gore, un peu gâché par le fait qu'il est désormais impossible de survivre dans l'univers de Jigsaw, mais je ne comprends pas pourquoi personne ne l'a aimé...

Ma note : 7,5/10

Synopsis : Le directeur du journal Daily Sentinel se transforme la nuit en super-héros connu sous le nom de Frelon Vert. Il est secondé par Kato, l'expert en arts martiaux.

S'appuyant sur le pic de forme des films de super-héros qui traverse le monde du septième art en ce moment, sur un casting composé d'acteurs qui montent en puissance (Christoph Waltz, Jay Chou, Seth Rogen), sur des effets spéciaux déroutants et sur le commerce (parfois irritant) fructifiant de la 3D, The Green Hornet a véritablement tout pour réussir. Un démarrage un peu lent, une montée en puissance, puis une fin explosive : le dernier bijou de Michel Gondry ne s'essouffle jamais, comme si le fun et l'humour n'avaient pas de limites et que le film était doté de fabuleuses ressource pour ce qui est de l'action et des effets visuels. En l'espace de deux heures, nous avons eu le droit à une multitude de scènes époustouflantes qui s'enchainent avec une régularité des plus insolentes, ainsi qu'à de nombreux instants, plus reposants, mais qui se laissent savourer grâce à de splendides dialogues, qui font considérablement avancer le schmilblick.

On connait tous les super-héros qui ont bercés notre enfance où qui continuent à nous faire rêver. Spider-Man et ses problèmes d'égo, Batman et ses liasses de billets, Superman et sa tenue vestimentaire, Hulk et ses problèmes de sur-croissance, etc. Malgré de nombreux chef d'œuvre (la trilogie de Sam Raimi inspire le respect, et le Dark Knight de Nolan est l'un des meilleurs films de tous les temps, sans oublier les Iron Man), tous ces films, sans aucune exception, comportent un nombre incalculable de préjugés : la petite-amie, le méchant qui ne se laisse pas faire, les disputes entre amis, les moments d'intimité, l'envie de ne plus être un héros, … Mais The Green Hornet sonne le renouveau au pays de la kryptonite et des bagarres ultra-viriles au sommet des buildings tous de verre et d'acier. Ce film se sert tout bêtement de ses clichés marveliens pour donner une parodie hilarante, sans temps-morts ni arômes artificiels.

Le film avance, on a même pas envie de regarder sa montre, on regarde, on apprécie, on jubile, et on se régale. En quelques mots, cette critique peut se terminer. A savoir, The Green Hornet est un grand pichet où l'on ajoute quelques ingrédients propres aux films de super-héros, mais le tout avec une bonne cuillère à soupe d'auto-dérision, un demi-sachet de satire sociale, une cuillère à café de vulgarité. Remuez-bien le mélange et vous n'aurez pas forcement un chef d'œuvre, mais un film divertissant, si ce n'est cette fucking 3D qui vient encore faire office de grumeau dans le précieux liquide fait avec amour par les mains (en or ?) de Gondry.

Un peu de violence, de répliques qui tuent, de gadgets inventifs et sophistiqués, de quelques jolis plans visuels et un scénario en béton, voilà ce que donne au final cette adaptation de la célèbre série des années 1960. Mais là où brille The Green Hornet, c'est dans la très juste mise en évidence des personnages, la façon dont ils communiquent entre eux et leur comportement. Ainsi, on aura peut-être un peu de peine pour le personnage de Keto (enfance difficile, intelligence trop peu mise en avant), on éprouvera de la colère envers les agissements de Britt (véritable égocentrique, presque énervant parfois), on aura surtout l'impression que Cameron Diaz est là pour le décors, que le rôle joué par James Franco n'a pas été assez exploité (il n'apparait que dans l'espace d'une scène, alors qu'il joue royalement bien), et enfin, que le rôle de Christoph Waltz (excellent en méchant facile à la gâchette et un peu con sur les bords) est semblable à celui qu'il joue dans Inglourious Basterds (le film qu'il l'a fait connaître au monde entier et qui lui a valu plus de 30 récompenses), mais on s'apercevra vite que tous ces gens sont très justes dans leurs rôles, et que ça suffit à faire de ce casting une franche réussite.

L'année 2011 commence donc en fanfare avec cette comédie d'action bourrée d'adrénaline et franchement très drôle. Même si la 3D n'aura été que réussie que pour le générique (le moustique va nous foncer dessus !), on trouvera (comme tous les autres films en relief, depuis la création de la 3D) qu'elle est inutile, dispensable et superflue (ce qui veut dire la même chose, en fait). Comme on m'a dit beaucoup de bien de Kick-Ass et que c'est censé être du même style que le film de Gondry, mais en 10 fois mieux, j'ai trouvé le prochain DVD que je m'achèterai.

En résumé, un film palpitant, drôle, innovant, mais qui ne s'écarte jamais des stéréotypes des films de super-héros, mais le tout dans une ambiance apaisée et avec une bonne grosse dose de vannes parodiques sous la godasse : le frelon vert à fait mouche.

PS : Est-ce moi qui délire totalement et qui trouve des relations entre des films, là où il n'y en a pas ? Est-ce normal que j'ai trouvé dans The Green Hornet, de nombreux clins d'œils à Pulp Fiction (vous savez, ce film dont je ne peux m'empêcher de taire le nom dans chacune des conversations que j'ai, ce film que j'adule comme un dieu) ? Pour m'expliquer, j'ai retrouvé, dans les répliques du film de Gondry deux exemples flagrants qui me laissent penser qu'un hommage au film de Tarantino est bel et bien ancré dans ce film : le premier est la phrase où Christoph Waltz (acteur mis sur le devant de la scène par Tarantino himself) défend sa tenue vestimentaire en disant « Il y a plein de gens qui tuent en costumes ! » (pour ceux qui ne comprennent pas le lien évident avec Pulp Fiction, cliquez ici) ; le second indice serait le fait que le méchant (encore joué par l'acteur autrichien qui a – et vous en le savez peut-être pas – été découvert par Tarantino himself – mais je crois que je l'ai déjà dit) dit une phrase rituelle avant de tuer ses victimes (pour ceux qui ne voient pas le rapport avec le film de QT – bande d'incultes – cliquez ici). Alors, ai-je raison de m'obstiner à voir du Pulp Fiction partout, ou dois-je me rendre directement à l'hôpital psychiatrique ?