Synopsis : Ça commence dans le Nord. Ali se retrouve avec Sam, 5 ans, sur les bras. C’est son fils, il le connaît à peine. Sans domicile, sans argent et sans amis, Ali trouve refuge chez sa sœur à Antibes. Là-bas, c’est tout de suite mieux, elle les héberge dans le garage de son pavillon, elle s’occupe du petit et il fait beau. A la suite d’une bagarre dans une boîte de nuit, son destin croise celui de Stéphanie. Il la ramène chez elle et lui laisse son téléphone. Il est pauvre ; elle est belle et pleine d’assurance. C’est une princesse. Tout les oppose. Stéphanie est dresseuse d’orques au Marineland. Il faudra que le spectacle tourne au drame pour qu’un coup de téléphone dans la nuit les réunisse à nouveau. Quand Ali la retrouve, la princesse est tassée dans un fauteuil roulant : elle a perdu ses jambes et pas mal d’illusions. Il va l’aider simplement, sans compassion, sans pitié. Elle va revivre.

Il y a tellement de choses à dire sur De rouille est d'os qu'on en perd notre français, qu'on a du mal à extérioriser ce truc sensationnel qui se passe lorsqu'on regarde le dernier film de Jacques Audiard. Comparé à tort à Intouchables, le film est une formidable tranche de vie, où la passion, l'amour, la tristesse, la joie et tant d'autres choses se condensent, offrant une vraie leçon à un spectateur qui hésite entre les larmes, les rires, ou voire même un mélange des deux. Quoiqu'il en soit, on ne peut sortir de De rouille et d'os sans n'avoir rien ressenti.

Qu'on soit touché profondément ou juste légèrement, De rouille est d'os possède une forme suffisamment belle pour rivaliser avec ce fond si... profond. Les acteurs sont excellents (Matthias Schoenaerts est épatant, et Marion Cotillard est encore plus excitante sans jambes), la réalisation sublime. Ensuite, l'idée principale dépasse tout : on a l'impression de vivre cette histoire, entre emmerdes quotidiennes (engueulades) et véritables problèmes de sociétés (les employés d'une usine traqués et licenciés, précarité, mauvaise éducation, jeux clandestins). Le film nous porte, nous soulève, élevant nos corps et esprits très haut, sans savoir si nous allons redescendre. A la fin, on est encore dans notre petit nuage : le film nous a émerveillé, et profondément bouleversé, secoué. Chaque scène est un morceau de bravoure, une tranche de vie qu'on a envie de partager avec le monde entier. Seulement, la terre est ronde, le monde vaste et la vie bien trop courte (la séquence-choc du lac gelé est là pour nous le rappeler, ou du moins, nous donner un sérieux avertissement). De rouille et d'os, sorte de message d'espoir pour chacun d'entre nous (le personnage joué par Cotillard renait de ses cendres après sa double amputation : tant qu'il y a de la vie, il y a de l'espoir), fait taire les préjugés (un petit esprit peut avoir un grand cœur) et se veut bien plus poignant, réaliste qu'un certain Intouchables, faisant l'impasse sur l'humour (malgré quelques sourires) pour toucher un peu plus la réalité.

En résumé, cette histoire nous touche, et elle nous apprend quelque chose ; Audiard ne se contente pas de raconter : il offre au spectateur une image positive de la vie ; triste dans la forme, De rouille et d'os est pourtant bel et bien le feel good moviede l'année.

"Naissance d'une idée :

Tim Burton : Bon alors Johnny, je te présente le synopsis. ''En 1752, Joshua et Naomi Collins quittent Liverpool, en Angleterre, pour prendre la mer avec leur jeune fils Barnabas, et commencer une nouvelle vie en Amérique. Mais même un océan ne parvient pas à les éloigner de la terrible malédiction qui s’est abattue sur leur famille. Vingt années passent et Barnabas a le monde à ses pieds, ou du moins la ville de Collinsport, dans le Maine. Riche et puissant, c’est un séducteur invétéré… jusqu’à ce qu’il commette la grave erreur de briser le cœur d’Angelique Bouchard. C’est une sorcière, dans tous les sens du terme, qui lui jette un sort bien plus maléfique que la mort : celui d’être transformé en vampire et enterré vivant. Deux siècles plus tard, Barnabas est libéré de sa tombe par inadvertance et débarque en 1972 dans un monde totalement transformé.'' Bon alors, sois honnête, t'en penses quoi ?

Johnny Depp : C'est classique, absolument pas original, en gros c'est un peu de la merde, mais comme on se connait depuis longtemps, je veux bien jouer Barnabas, j'ai même des idées de maquillage et même de situations très drôles avec la façon de dormir du vampire, hihihi.

Tim Burton : J'étais sûr que tu allais accepter. Bon, pour le script, je pouvais pas faire de miracles non-plus. En ce moment, t'as dû remarquer que je suis plutôt dans la production. Ça rapporte beaucoup plus et on a moins de surcharge de travail. Mais tu connais mes fans : ils en veulent toujours plus, donc j'étais forcé de faire ce film.

Johnny Depp : Oui, et de toutes façons, tu peux faire n'importe quelle merde et moi je peux jouer comme un pied, on criera quand même au chef d'œuvre, vu qu'on a des noms qui font vendre, une notoriété, tu vois.

Tim Burton : Oh que oui, je suis hyper confiant. Mais il nous faut des arguments de vente tout de même. Pour faire un gimmick, j'ai demandé à Helena ''Bobonne'' Carter de jouer dans le film, ça lui fera plaisir et ça lui évitera d'avoir le temps d'acheter ces horribles gâteaux bio au super-marché du coin. J'ai pensé aussi à Eva Green, vu qu'elle sort tout juste du chirurgien esthétique, elle va attirer le spectateur masculin dans les salles, surtout si on met en valeur sa grosse poitrine dans la BA. Pour le titre, j'ai pensé à Dark Shadow parce que le mot ''dark'' va attirer tous les fans de films noirs, et parce que ''shadow'', j'aime bien ce mot.

Pendant le tournage :

Christopher Lee : Bon, j'ai fini ma séquence de une minute, je peux rentrer maintenant ?

Tim Burton : Oui, vas-y, n'oublie pas ton chèque de 200 000 $ surtout.

Johnny Depp : Pourquoi le majordome dans le film s'appelle Willy ?

Tim Burton : Pour faire une référence à Willy Wonka, putain Johnny tu comprends rien toi ! Puisque c'est comme ça, mon prochain film, tu joueras pas dedans !

Johnny Depp : M'en fous, c'est un film d'animation !

Tim Burton : Certes... Bon, on en était où ? Ah oui ! Gros plan sur les seins d'Eva Green numéro 177, première, action !

Visionnage du résultat final et éventuelles modifications avant la sortie du film :

Tim Burton : Bon super les gars, on a tous fait du beau boulot !

Johnny Depp : Je suis pas sûr que tu ai eu une bonne idée lors de la scène de fellation avec Helena, on était pas obligé de le faire vraiment !

Tim Burton : C'est pour un futur film porno ! J'anticipe une humiliation qui me fera virer d'Hollywood, donc j'organiserai mon come-back avec un film érotique. De toutes façons, je n'ai gardé que des plans suggérés pour Dark Shadow, faudrait pas choquer les enfants. Et puis Helena, ça ne la dérange pas, je te l'ai déjà dit Johnny : tout ce qui est à moi, est à toi !

Michelle Pfeiffer : Pourquoi lorsque je me vois à l'écran, j'ai l'impression de voir une grosse cougar ?

Christopher Lee : Pourquoi je n'ai pas reçu mon chèque ?

Chloë Moretz : Pourquoi j'ai pas un rôle de monstre moi ?

Tim Burton : Bon d'accord Chloë, ça me démangeait, on va ajouter une scène où tu te transformes en loup-garou, pour renforcer le côté émotionnel.

Gully McGrath : Quand je me vois, je trouve que je ressemble vraiment trop au petit Danny de Shining...

Tim Burton : Tu as raison, Danny, euh Gully, je vais peut-être retirer les scènes où tu fais du tricycle dans le château.

Eva Green : Je suis vraiment laide dans ce film. Je trouve que tu ne montre pas assez mes seins à l'écran, je ne remettrai jamais les pieds ici. Bye-bye !

Johnny Depp : Bon, le résultat est vraiment merdique ! Faut mettre le paquet dans la BA. Faut y mettre les seuls trucs marrants du film, à savoir le coup de la ''ménestrellle lilliputienne'' et... les seins d'Eva Green.

Helena Bonham Carter : J'en ai marre de mourir dans tous tes films Tim, pourquoi tu ne me fais pas ressusciter à la fin?

Tim Burton : Ah oui, pourquoi pas. En plus, ça fera un joli twist ending ! Bon sinon c'est pas qu'on s'emmerde ici, mais j'ai un dessin animé à finir moi, bon week-end à tous. Je vous enverrai vos payes à la fin du mois."

La suite, dans la salle obscure, vous la connaissez : on regarde notre montre tout le temps, on soupire, on rigole peu. Un Burton reste un Burton, donc l'univers est travaillé, mais le film est mou, et sans saveur. Burton a peut-être déjà vendu son âme au cinéma-business, suivant les traces d'un James Cameron. R.I.P Tim Burton, tu passeras le bonjour à Luc Besson de notre part.

Synopsis : Cinq amis partent passer le week-end dans une cabane perdue au fond des bois. Ils n’ont aucune idée du cauchemar qui les y attend, ni de ce que cache vraiment la cabane dans les bois…Signé par deux maîtres de l’horreur, Joss Whedon et Drew Goddard, voici un film qui réinvente et repousse toutes les conventions du genre. Attendez-vous à découvrir un nouveau niveau de terreur…

Il y a moins d'un an, James Wan revenait aux fondamentaux de l'horreur (ombres, musique grinçante, sursauts téléphonés) et signait avec Insidious un véritable chef d'œuvre qui a pourtant divisé (certains l'ont trouvé ridicule, d'autres ont eu carrément la peur de leur vie). Aujourd'hui, nous avons assisté à un pur renouveau du genre, ou comment La Cabane dans les bois casse le mythe implacable (en principe) des films d'épouvante en l'espace de quelques dizaines de minutes. On n'ira pas plus loin dans les explications, tant dévoiler le concept du film serait gâcher le spectacle. Car sans cette idée de départ, sorte de coup de marteau dans l'industrie de l'horreur, le film n'aurait jamais eu ce ''succès'' et aurait même fait figure de nanar de l'année.

Les amateurs de sensations fortes repasseront : ici, le gore est modéré, les sursauts peu nombreux. On a même l'impression qu'il y a une véritable surenchère dans l'exagération, si bien qu'on tourne vite à la comédie d'horreur. Outre les passages d'humour (concentrés dans ce final fun), et une réalisation simple, mais efficace par moments (on retiendra l'accumulation de bruitages et d'images très réussies lors de la scène du sous-sol), on est tout de même dans un schéma d'horreur classique avec le drogué, la bombasse, le musclé, l'intello et la vierge qui se font abattre un par un dans d'atroces souffrances. Les codes des films d'horreur, dévoilés excellemment bien, il y a plus de 15 ans dans le mythique Scream, sont au rendez-vous : le sexe porte préjudice aux personnages, le cadre (cabane isolée au fond d'une forêt, sans réseau téléphonique, etc etc) fout les boules d'avances, et un vieux péquenaud à la station-essence prévient les futures victimes, en vain. On n'oubliera pas de mentionner les références aux classiques de Romero, mais aussi à Massacre à la tronçonneuse, Détour Mortel et même au Seigneur des Anneaux, sans oublier l'étonnante panoplie de monstres que l'on peut voir à la fin du film (mais j'en dit déjà trop).

Vous l'aurez compris, La Cabane dans les bois n'est pas un film anodin, il n'est pas à prendre comme tous ces films visant à faire peur (dont une partie fait partie des œuvres majeures du septième art), mais bien comme un film complètement fou, qui brise les codes du cinéma dans son fond, mais ne touche presque pas à la forme, quoique... Vous voyez donc qu'il est difficile de cerner cet OCNI, et qu'il est surtout difficile d'en parler tant ce qui se passe à l'écran est... indescriptible. La seule chose censée qui sera écrite dans ces quelques lignes est : allez le voir, et vous pourrez vous faire votre propre opinion.

En résumé, sans être véritablement génial (les acteurs sont mauvais, le rythme est en dents de scie), La Cabane dans les bois symbolise un tournant dans l'histoire de l'horreur, en attendant les prochains films qui s'inspireront peut-être du travail fourni dans cette première œuvre d'une future lignée de films néo-horrifiques (on en bave déjà).

 Critique rédigée pour Le Bleu du Miroir

Arrivée au beau milieu des années 2000, la série Dexter, petit bébé de la chaine américaine Showtime, a provoqué un raz-de-marée infernal, confirmant le talent de Michael C. Hall, déjà exploité dans Six Feet Under, et en montrant qu'on peut allier sang et humour sans faire du Grindhouse ou du trash-comique. L'idée de la série est des plus simples (elle est adaptée d'un roman policier de Jeff Lindsay) : nous suivons les péripéties d'un tueur en série en apparences cinglé, mais qui, lorsque l'on se plonge dans sa vie intime, s'avère être une personne sérieuse, capable (plus ou moins) d'éprouver des sentiments. Ce tueur a besoin de tuer pour vivre. Il n'assassine que les ''méchants'' et se sort de situations complètement dingues. Le générique de début, magnifique, contenant beaucoup d'allusions au sang, montre que la routine du tueur en série se joint à la notre, avec le rasage, le petit dej' et tout ce qu'on fait habituellement le matin. Le tueur n'est donc qu'une personne normale, avec, en plus, un besoin vital de tuer.

Pour ce qui est de la série en elle-même, elle est tout simplement parfaite : l'alliance des couleurs, une réalisation nerveuse (surtout dans la saison 1, et qui se fluidifie au fil des années), des acteurs possédés par leurs rôles, une musique thématique assez déstabilisante, un scénario inventif d'épisodes en épisodes, une intrigue qui ne s'essouffle jamais. Vous cherchiez la perfection : on l'a trouvé dans Dexter, tant tous les éléments se rassemblement harmonieusement pour nous régaler. Après, libre à chacun de nous d'accrocher ou pas. Certains épisodes ne sont peut-être pas tous excellents, notamment certains des saisons 2, 3 ou 5, et parfois, on peut trouver le comportement de ce cher Dexter un peu étrange, irrespectueux de ce qu'il était dans la saison 1, première saison qui nous rend nostalgique dès le début de la saison 2. Il est possible de décrocher, mais les cas se fonts rares. Dexter agit comme une drogue dure, si bien que ça devient presque vital d'avoir sa dose chaque semaine. Le suspense, les meurtres, de l'humour noir, et une étude très approfondie des personnages, en font une série complète, qui ne laisse rien au hasard, et frappe par son originalité.

Ce phénomène, armé de 6 saisons de 12 épisodes de 52 minutes chacun (des saisons 7 et 8 sont prévues), se doit d'être développé, analysé en six parties. Il sera demandé à ceux qui n'ont pas vu la série de ne pas lire les textes qui suivent, car la série est essentiellement basée sur un suspense insoutenable, qui nourrit la série à chaque épisode. Connaître certaines clés de l'intrigue serait gâcher le plaisir que pourriez avoir en regardant des épisodes de Dexter.

Saison 1 : « Tonight's the night... »

Il est absolument impossible de décrire ce qui se passe dans ces 12 premiers épisodes, tant l'entrée en matière est parfaite. Au bout de dix minutes, on est déjà rentré dans l'histoire, les noms des personnages sont rapidement dans nos têtes, et Dexter nous fascine. Une réalisation fiévreuse, transpirante (l'histoire se déroule à Miami, et l'intrigue de la première saison tombe en pleine canicule), la présence inoubliable d'un rouge-sang et d'un noir profond qui s'assemblent et nous percutent, et cette intrigue du Ice Truck Killer, devenue un vrai symbole aujourd'hui, nous rappellent que malgré de futurs exploits, la première saison de Dexter est de loin la plus enivrante, et que notre cœur se rappel encore de la conclusion finale, véritable coup de tonnerre qui ne finira jamais de pétrifier.

Saison 2 : « Jesus Christ Morgan ! You are the Bay Harbor Butcher ! »

Après l'électrochoc de la saison précédente, il fallait se détacher du livre de Lindsay, montrer que Dexter est un personnage de télé, et non de livre. La saison 2 est peut-être la plus dense niveau évènements (il s'y passe beaucoup de choses), mais trop de twist tue le twist, ce qui fait de la saison 2 la moins bonne de toute la série. Seulement, le personnage de Dexter devient plus proche de nous, notamment lorsque des plongeurs retrouvent les cadavres issus de ses propres meurtres dans les fond de la baie de Miami. Il se remet en question, et montre des faiblesses. L'arrivée du personnage de Lila marque un tournant dans la série : Dexter manipule la police, mais devient vulnérable face à une fille qui a usé de ses charmes pour mieux le contrôler. Et même si tout redevient normal à la fin de la saison, on sent que notre tueur perd de l'altitude. Son attitude naïve durant les 12 épisodes de cette saison en sont la preuve.

Saison 3 : « I killed my brother. I killed yours, too. »

La naïveté de Dexter a laissé des traces, si bien qu'il se retrouve d'entrée à assassiner une personne qu'il n'avait pas prévu de tuer. Dexter a retrouvé sa vie de famille avec Rita et s'est même trouvé un ami. Mais peut-il faire confiance à tout le monde ? Ce jeune loup solitaire (de nombreux flashbacks sont là pour en témoigner) peut-il se munir d'amis, et même, partager son secret avec quelqu'un en toute confiance ? La saison 3 pose les bonnes question, et apporte des réponses convaincantes. Les douze épisodes ne se valent pas tous, mais la conclusion est glaçante. Dexter ne peut donc pas partager son secret. Miguel Prado fût donc le troisième à connaître la nature de tueur de Dexter, et fût, comme les deux autres, emballé dans du plastique, tué à l'arme blanche, et jeté en petits morceaux dans la mer. Cruelle vérité d'un serial-killer en apparences seul, qui finira par se marier et être papa.

Saison 4 : « Born in blood... both of us. »

La saison 4 est celle du changement. Dexter doit faire face à un tueur plus fort que lui. Déterminé à être un meilleur père de famille tout en continuant ses activités meurtrières, il prend des risques considérables, qui courront à sa perte, lors d'un ultime épisode qui hantera toute une génération pendant des années. Le changement se fait dans la réalisation, devenue très conventionnelle : la routine s'installe, Dexter tue moins (le premier épisode, où Dexter n'arrive pas à tuer sa nouvelle cible, à cause de son fils qui ne dort pas, nous le montre). L'arrivée du Trinity Killer vient nous réveiller, plongeant la saison dans un joyeux bordel qui jouera avec nos nerfs jusqu'à la dernière seconde. Parfaitement maitrisée, la saison choisit de nous montrer le tueur dès le premier épisode, à l'inverse d'une saison 1 où le visage du serial-killer n'était dévoilé qu'en fin de saison.

Saison 5 : « I'm someone different (…) I'm not a monster »

Dexter sauve la vie d'une personne qui a manqué de se faire tuer, et sa vie bascule. Dexter doit survivre au choc qu'il vient de se prendre en pleine gueule (cf : fin de la saison 4), et s'en sort royalement bien, malgré quelques instants de faiblesses (certains innocents seront tués lors de cette cinquième saison). Cette saison se voit monter jusqu'au sommet lors du meilleur épisode de toute la série, celui où il se sort miraculeusement d'une chasse à l'homme, tout en tuant sa proie en prononçant le mythique « Die die ! ». La saison est tout de même hétérogène, et est la moins étonnante (un final un peu raté), mais Dexter change, et nous le suivons avec joie.

Saison 6 : « I'm a father, a son, and a serial killer »

Dans une saison 6 basée quasi-totalement sur Dieu, Dexter s'écrie « Oh God ! » lors d'un final inattendu. Dexter est de moins en moins prudent, tue à la fourche et au harpon sans préméditations, va coucher avec une gérante de station-service pour lui voler son flingue, se fait ''pomper l'instrument'' par une ancienne camarade de lycée. L'enfant méticuleux et sage s'émancipe, profite de la vie. Il s'interroge sur ses croyances. Dexter devient un véritable adulte irresponsable. L'absence de présence féminine dans sa vie lui empêche véritablement de se contrôler. Laguerta est de plus en plus insupportable, Deb devient presque le personnage principal et Batista et Quinn sont relégués au second plan. Mais dans une saison riche en rebondissements et émotions, le final vient en rajouter une couche, si bien qu'exprimer l'envie que l'on a de voir la saison 7 est rigoureusement impossible.

La Nuit du Chasseur (Charles Laughton) - 1965

Synopsis : Un prêcheur inquiétant poursuit dans l'Amérique rurale deux enfants dont le père vient d'être condamné pour vol et meurtre. Avant son incarcération, le père leur avait confié dix milles dollars, dont ils doivent révéler l'existence à personne. Pourchassés sans pitié par ce pasteur psychopathe et abandonnés à eux-mêmes, les enfants se lancent sur les routes.

Sorte de version américaine dramatique et malsaine de Tartuffe, pièce de Molière, La Nuit du Chasseur est avant tout un grand classique du cinéma, aussi pur dans la réalisation que brillant dans le scénario. L'histoire de ce faux religieux qui ronge toute une famille sur la durée est un exercice risqué mais au final habile, qui plonge le spectateur dans l'horreur, mais l'horreur interne, l'horreur psychologique, bien plus horrible que l'horreur physique. Sans non-plus sortir de l'ordinaire, le film de Laughton mérite amplement son statut de chef d'œuvre, d'une pour la splendide performance de Mitchum, possédé par son rôle, de deux pour les rôles secondaires, tous très bien imaginés, de trois pour les éléments visuels, d'un montage inventifs à une réalisation inspirée, en passant par un splendide noir et blanc. Tous ces éléments mis ensembles donne un résultat stupéfiant, et malgré une fin un peu molle, le spectateur est comblé, et prend rapidement conscience qu'il vient d'assister à un grand film.

Sparrow (Johnnie To) - 2008

Synopsis : A Hong Kong, un Sparrow est un pickpocket. Kei est le plus habile de tous. Entre deux vols de portefeuilles avec les membres de son gang, il aime arpenter la ville à vélo, et prendre des photos. Un jour, une femme ravissante, Chun Lei apparaît dans son viseur. Il est ensorcelé. Chaque membre du gang va tomber sous le charme de cette femme qui ne les a pas croisés par hasard. Elle veut que les pickpockets dérobent pour son compte quelque chose de très précieux...

Au pays de Johnnie To, les oiseaux sont encore moins bien faits que ceux d'Hitchcock, et ça, même si 50 ans sépare les deux films. Au pays de Johnnie To, les pickpockets de Hong Kong s'affrontent sous la pluie, en faisant tourner les parapluies sous une musique classique mi-dramatique, mi-comique. Chez Johnnie To, l'équipe du tournage s'amuse, mais pas les spectateurs, un peu confus en regardant cette entité sans nom, sans goût, ni aucun mot pour la décrire. Dans un film où l'incompréhension prend la place de l'amusement, le temps passe très lentement et le public s'emmerde. On n'a pas vraiment l'impression qu'on ai poussé très loin dans le scénario, sans parler de cette réalisation dont on ne sait si elle est trop kitsch ou trop laide. C'est très simple : regarder Sparrow, c'est accepter le fait de ne rien comprendre, autant dans le déroulé de l'histoire que dans les motivations du réalisateur. Ce qu'on comprend très vite, cependant, c'est que Sparrow est un très mauvais film...

The Human Centipede (Tom Six) – 2009

Synopsis : Une nuit, deux jeunes américaines en voyage à travers l’Europe, tombent en panne en plein milieu d’une forêt. Par chance, elles découvrent une maison dans laquelle vit un ancien chirurgien allemand, le docteur Heiter. Ravies d’y trouver refuge, elles sont alors loin d’imaginer qu’elles vont devenir les cobayes d’une expérience chirurgicale inédite : le médecin entend en effet créer un mille-pattes humain en les reliant entre elles par un seul et même tube digestif.

Que les amis de la poésie et les personnes sensibles qui font une nuit blanche après avoir regardé un épisode des Experts, quittent immédiatement la salle ! Ici, nous pénétrons dans l'antre de Tom Six, un réalisateur complètement fou qui a donné, en l'espace d'un film, un coup de vieux terrible à tous les pièges de tous les films de la saga Saw. Oubliez tous les torture-porn de ce début de siècle, ces derniers ont désormais pris la poussière. Oubliez tous les films d'horreur que vous ayez pu voir auparavant. The Human Centipede, ultra censuré, dont on parle partout, signe un grand tournant dans l'histoire de l'horreur. Là où en quelques années, le numérique a permis n'importe quelle lubie gore, possible à l'écran, Tom Six, aidé par une technologie permettant un gore sans limite, se défoule essentiellement au niveau de son scénario : véritable pépite dans le genre. L'histoire est tirée par les cheveux, mais pourtant elle fonctionne. Plus qu'un film d'horreur original, The Human Centipede est également une belle critique détournée de la Shoah, période où de grandes expériences toutes plus atroces les unes des autres, étaient faites sur des prisonniers.